Frankenweenie, rodada en blanco y negro y mientras Burton trabajaba para la Disney, narra la historia de un niño que hace revivir a su perro muerto, en un estilo sombrío y gótico obviamente inspirado en el clásico Frankenstein de James Whale .

“Con Frankenweenie vamos a hacer algo realmente barato”, explicó Burton en una entrevista durante la promoción de última película, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street. “Me excita poder volver a hacerla siendo fiel a mis dibujos originales, porque hay cosas que no pude plasmar en el filme original con personajes reales. Estoy muy excitado con los nuevos personajes, y quiero hacer una historia ligeramente más amplia”.

El original Frankenweenie ya da una idea de cuál será el particular estilo de Burton tras la cámara, mezclando humor y terror, a base de sombras amenazantes e imágenes sorprendentes.

“Soy un gran admirador del cine de terror clásico, lo que influye a mis obras. Ese tipo de cosas, lo quieras o no, están marcadas en tu ADN, y permanecen hasta tu muerte. Incluso cuando hago una comedia romántica pienso en meter algún fogonazo de miedo”.

Burton siempre fue un chico raro, su rareza es genial, maravillosa. El libro es un corto y agradable paseo visual y sentimental por ese universo suyo, tan particular y alegremente oscuro. Por esos poemas inocentes y esas ilustraciones tiernamente macabras desfilan toda una serie de niños raros y solitarios, auténticos freaks venidos directamente del mundo de ensueño y pesadilla que es la propia mente de Burton.

Una serie de pequeñas historias protagonizada por una lista de niños con características de lo más peculiares que por lo general conllevan un final de lo más triste para sus protagonistas. El niño mancha, el chico ostra, la niña mirona, el niño ojos de clavo… todo ello contado con un tono entre infantil, naif y macabro, que despierta la compasión por sus pequeños y desamparados protagonistas. Las poesías van acompañadas por ilustraciones del propio Tim Burton que refuerzan ese tono naif y un poco cruel del que hablamos, gracias a su personal estilo como dibujante. El libro incluye los textos originales en inglés, interesantes de poder leer si dominas el inglés, ya que la traducción al español es bastante libre y no del todo fiel.

Tim Burton en una entrevista en L.A Times habla de su nuevo y esperado proyecto sobre el famoso relato de ‘Alicia en el País de las Maravillas’, y el porqué de volver a llevarlo a la gran pantalla. En ella comenta: ‘Es un proyecto extraño. La historia es obviamente un clásico con imágenes, ideas y pensamientos icónicos. Pero con todas las versiones, bueno, nunca he visto una que en realidad me halla impactado a mí. Es simplemente una serie de eventos extraños. Cada personaje es extraño y ella está simplemente paseando a través de todos estos encuentros como una mera observadora. Mi meta es tratar de hacerla una película atrapante donde uno obtiene parte de la psicología de los personajes, además de darle cierta frescura, manteniendo la naturaleza clásica de Alicia. Y, ustedes saben, hacerla en 3D encaja con el material perfectamente. Estoy emocionado de hacer una nueva versión, pero manteniendo los elementos que la gente espera ver cuando piensan en el material.’ Por las conclusiones que podemos sacar de sus palabras nos espera ante todo una buena adaptación del mundo de Alicia y nos pone los dientes largos diciendonos que la parte 3D encajará perfectamente, siendo esta la parte más conflictiva que podríamos tener. En el reparto como todos ya sabréis tendremos a Johnny Depp, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Michael Sheen, Mia Wasikowska y Matt Lucas. Para ver las buenas maneras que tiene este proyecto tendremos que esperar al próximo 5 de Marzo de 2010 en USA, aquí por el momento nada confiramdo

Tras una carrera de 13 largometrajes (14 si contamos Pesadilla antes de Navidad que fue oficialmente dirigido por Henry Selick) Tim Burton se puede considerar ya un director estrella, un director famoso, conocido por buena parte del público y con un estilo fácilmente reconocible por éste; lo que hace que mucha gente cuando vaya a ver un film de Burton ya tenga una idea aproximada de qué es lo que va a ver o cuál es el tipo de historias que le van  a contar. Es así que cuando se ha visto Sweeney Todd, el conocido musical de Stephen Sondheim (con libreto de Hugh Wheeler) que cuenta la historia, medio real, medio legendaria de un barbero asesino en serie en el Londres victoriano, mucha gente diga cosas como “sólo la podía haber dirigido Tim Burton” o “era el proyecto perfecto para Tim Burton”.
Y son frases con mucha razón respecto a este film. Al haber visto la película y conocer la historia (yo personalmente no he visto el musical en que se basa) uno entiende por qué nuestro director desde siempre había sentido un interés tan alto en llevar la obra a la gran pantalla. Y es que todos los ingredientes que encontramos en este film se pueden rastrear fácilmente en toda la filmografía anterior de Tim Burton:  ambientes oscuros, góticos y siniestros, asesinatos, protagonistas extravagantes con un punto de locura…
Se nota que Burton se sentía a sus anchas con todo este material y el resultado final ha cumplido del todo las expectativas, siendo así que entusiasmará a todos los seguidores de nuestro director y seguramente también a los que admiren el musical en que se basa.  Y es que Sweeney Todd es un musical que lleva tras de sí una larga trayectoria de éxitos tanto en la taquilla como de cara a la crítica, habiendo obtenido en su estreno, en el  año 1979, ocho Tonys e incluso un Grammy.  Un material de partida, por tanto, exquisito y ampliamente reconocido, al que el guionista John Logan se tuvo que enfrentar para adaptar y pulir de cara a su versión cinematográfica (que de las tres horas que duraba en el escenario tuvo que condensarse a las dos que hemos podido ver en los cines).  El resultado de condensación (y adaptación de las canciones muchas de las cuales tuvieron que ser desechadas) se puede decir que ha sido excelente; el guión avanza con gran fluidez desde la llegada de Todd a Londres, el encuentro con Miss Lovett, el asentamiento de la nueva barbería, los primeros crímenes, el negocio de las empanadas hasta el trágico y grand-guiñolesco final.  Es en este proceso de reducción y limpieza del argumento donde tal vez se encuentre uno de los escasos puntos flojos del film; éste es la historia de amor entre los dos jóvenes, poco desarrollada y que ocupa un plano demasiado secundario (probablemente los dos únicos personajes normales del film y por ello los menos interesantes para Burton, tratándose además, por otra parte, de una historia de amor bastante ñoña y repelente)
En cuanto al resto, nada que reprochar, los dos actores protagonistas, no sólo Johnny Depp (con nominación al Oscar incluida), sino también Helena Bonham-Carter realizan una labor estupenda actuando y cantando, pese a  no ser profesionales, llevando adelante sin chirriar las estupendas canciones. En planos más secundarios también cumplen a la perfección Alan Rickman como el villano del relato y Sacha Baron Cohen (alias Borat), como el barbero italiano Pirelli.
Uno de los puntos fuertes de las películas de Burton suele ser su ambientación y su aspecto visual, lo cual se cumple también por supuesto en esta ocasión con la (re)creación que realiza del  Londres de finales del siglo XIX, convertido en un lugar oscuro, sucio, de paredes ennegrecidas donde parece solo puedan vivir seres despreciables, mendigos o locos;  o sino ratas y cucarachas.
Asimismo el retrato de los personajes es 100% burtoniano, como sabemos siempre centrado en inadaptados que se sienten fuera de lugar en el entorno en el que viven. Aquí tenemos dos personajes que se ajustan a estas características, ambos con un acusado grado de locura. En primer lugar, el de Sweeney Todd, dominado por una única obsesión, la de vengarse del juez que le encarceló injustamente y recuperar a su hija. Cuando cree que le va a resultar imposible matar a su castigador, resuelve que toda persona merece morir e inicia una carrera de crímenes encubierta y aprovechada por su compañera, la señora Lovett.  Es éste otro personaje de desequilibrado; movida por su amor, no correspondido, hacia Todd, hará cualquier cosa por ocultar los crímenes de su compañero y no se queda en eso, sino que también sacará provecho a estas muertes empleando los cadáveres como ingrediente de sus, hasta la fecha, infectas empanadas. Es esta pasión por Todd la que hace que le mienta y finalmente, sea la causa de su terrible fin.
No podía acabar esta reseña sin dejar de comentar los excesos sangrientos (de una sangre de un rojo irreal deliberado) que sí pueden sorprender a alguien que haya seguido de cerca la carrera de Tim Burton. No es tan exagerado este uso ni inapropiado teniendo en cuenta el tono de grand-guiñol de toda la historia, de venganza excesiva, de personajes dementes, de sórdidos ambientes…. Así ese final terrible para todos los personajes no deja de ser más que la consecuencia directa de todos sus actos y el único final posible para la sucesión de atrocidades presenciadas.

Pesadilla antes de Navidad supuso en 1993 un pequeño hito dentro de la animación al tratarse del primer film animado mediante la técnica del stop-motion o animación fotograma a fotograma. Burton ha confesado desde siempre su predilección por este estilo de animación, la cual ha demostrado en su corto Vincent, en la mencionada Pesadilla antes de Navidad y algunas de sus primeras películas cuentan con efectos realizados mediante esta técnica (en Mars Attacks Burton pretendía animar a los invasores marcianos a través de stop-motion, idea que tuvo que ser desechada ya que alargaría el rodaje en demasía) Ahora vuelve a retomar la animación en una película que recupera el espíritu de Pesadilla antes de Navidad, no sólo por el estilo de animación, sino también por su tono lóbrego, gótico, macabro pero infantil al mismo tiempo, sin que ello signifique que nos encontremos ante una secuela de la anterior.

Y es que la historia es totalmente independiente de la anterior. Inspirada en un cuento popular ruso y ambientada en el siglo XIX, aquí nos encontramos con Víctor, un joven tímido que es obligado a casarse en una boda concertada con Victoria, unión con la que las familias de ambos pretenden resolver sus problemas de solvencia. Tras unos frustrantes ensayos prenupciales, Victor escapa al bosque, donde por accidente coloca su anillo de boda en el dedo de una novia muerta, la cual le toma por marido. Ésta se lo lleva a donde ella vive, el mundo de los muertos, lo que provocará el consecuente deseo de Victor por regresar al reino de los vivos donde debe estar y terminar de consumar su auténtico matrimonio.

Para este nuevo proyecto animado, Tim Burton se ha rodeado de algunos de sus colaboradores habituales: en el guión, John August (Big Fish) y Caroline Thompson (Eduardo Manostijeras) junto con Pamela Pettler; la música y las canciones de Danny Elfman; diseño de producción de Alex McDowell (Charlie y la fábrica de chocolate…); voces de su actor fetiche Johnny Depp y su esposa Helena Bonham Carter, a los que hay que sumar Albert Finney (Big Fish), Christopher Lee (Charlie…), Deep Roy (multiplicado oompa loompa de Charlie…), etc… Como curiosidad destacar el diseño de personajes de un catalán, Carlos Grangel (junto con los bocetos del propio Burton), que realiza un trabajo excelente. En esta ocasión y a diferencia de Pesadilla…, Tim Burton ha querido figurar como co-director junto con Mike Johnson (animador ya presente en Pesadilla…) quien se encargaba de llevar adelante el trabajo importante, mientras que Burton supervisaba el trabajo que se iba realizando, al tiempo que rodaba Charlie…

Las comparaciones con Pesadilla antes de Navidad son inevitables y aunque es cierto que no llega al nivel de perfección y de maravilla de la anterior, con La novia cadáver nos encontramos frente a otra genial muestra de animación deliciosamente gótica, lóbrega y oscura. Lo primero que llama la atención durante el visionado es el excelente diseño tanto de decorados como de personajes, donde hasta el último detalle está cuidado al máximo (siempre dentro de ese estilo entre macabro y terrorífico tan inofensivo). A continuación el guión, apoyado por las canciones (aquí sólo cuatro frente a las 10 u 11 de Pesadilla…) de Danny Elfman que, como debe ser en un buen musical, ayudan a narrar la historia; y con unos diálogos repletos de chistes sobre la muerte y los muertos. Es de destacar la excelente animación, se nota perfeccionada desde Pesadilla…, más fluida y donde la cámara se mueve con una patente mayor soltura…

El, llamémosle, “espíritu” Burton está presente desde el comienzo y no sólo por toda esa ambientación gótica que hemos comentado. Queda muy claro al ver la película de parte de qué personajes se sitúa Tim Burton. El mundo de los muertos es un lugar alegre, lleno de colores y de música (así, por ejemplo, el local donde se nos canta la canción sobre la historia de la novia), lleno de personajes entrañables y simpáticos; frente al mundo de los vivos donde, a excepción de Victor y Victoria, todos resultan bastante desagrables, un grupo de personas grises, desconfiadas, ariscas, movidas únicamente por los intereses monetarios, esto último no sólo característica del villano de la función sino también de los padres de los dos contrayentes (de ahí la boda concertada) Es de destacar también cómo, al igual que ocurría en Pesadilla…, Tim Burton consigue hacer entrañables personajes en realidad terroríficos: el camarero que es sólo una cabeza transportada por escarabajos, la novia a la que se le cae el ojo y lleva tras él un gusano que le habla, el personaje que se divide en dos… Todos ellos, antes que despertar terror, provocan ciertamente simpatía.

Sin duda, el verdadero personaje central de la historia es el del que da título a la película, en realidad un personaje trágico, la novia asesinada por su prometido al poco de casarse y que busca desesperadamente alguien con quien compartir afecto, pero que halla en Victor una relación imposible al tratarse ambos de mundos diferentes. Aunque el final de la novia pretende ser alegre y bello, no puede evitar dejar un poso de tristeza ante la suerte por ésta sufrida.

Como resumen, se puede concluir que La novia cadáver es una excelente película, divertida, simpática, entretenida, triste otras veces, con grandes momentos (las interpretaciones a piano, la aparición casi terrorífica de la novia, la irrupción de los muertos en el mundo de los vivos), una interminable galería de personajes (del lado de los vivos: las dos parejas de padres, el cura, el villano, el mayordomo, la criada; del lado de los muertos: el viejo y esquelético sabio, el gusano, especie de Pepito Grillo, tras el ojo de la novia, la viuda negra, el perro de Victor, la gente del local…), excelente y delicada música de Danny Elfman, quien también compone las estupendas canciones (y canta en una de ellas) y, claro está, perfecta animación.

Tras el fracaso crítico, que no comercial, de El planeta de los simios, muchos agoreros se lanzaron pronto a vaticinar el final del talento creativo de Tim Burton, hecho que quedó rápidamente desmentido con la realización posterior de la excelente y emotiva Big Fish. Ahora, en 2005 Burton vuelve y lo hace de nuevo con una historia que, al igual que sucedía con El planeta…, cuenta con una versión ya filmada previamente. Charlie y la fábrica de chocolate, la novela de Roald Dahl, fue llevada al cine en 1971, fue dirigida por Mel Stuart, protagonizada por Gene Wilder en el papel de Willy Wonka y en España conoció por título Un mundo de fantasía. La película fue un fracaso en su día y sólo con el tiempo ha ido adquiriendo la categoría de film de culto, por lo que no parecía descabellada la idea de hacer una nueva adaptación (al contrario de lo que ocurría con El planeta de los simios, cuya primera plasmación fílmica constituye ya un clásico de la ciencia-ficción, contando además con imágenes y escenas que han pasado ya a formar parte de la memoria colectiva, con lo que tarea difícil resultaba tratar de ofrecer algo nuevo que le hiciese justicia)
Esta nueva adaptación de Charlie… es sin duda una versión más burtoniana del libro: ese comienzo nevado que nos remite a Eduardo Manostijeras, la figura del outsider típica de Burton (aquí representada por el personaje de Willy Wonka, quien sufre de problemas para relacionarse, no encaja con la gente de su entorno y resulta ciertamente excéntrico) y una de las, parece, obsesiones recientes de Tim Burton como son las relaciones paterno-filiales problemáticas, ya mostrado como núcleo argumental de Big Fish y aquí materializado en el distanciamiento entre Willy Wonka y su padre (interpretado por Christopher Lee) dentista que impedía al niño Wonka comer chucherías, haciéndole acarrear un desproporcionado aparato dental, y que quería evitar a toda costa que su hijo acabara dedicándose a fabricar chocolate. En entrevistas recientes a Tim Burton se podía leer que de niño sus padres solían tenerle encerrado largas temporadas en su cuarto; detalle de infancia que parece estar exteriorizando en sus últimos largometrajes.
A diferencia de Big Fish, más pequeña e íntima, aquí, en Charlie y la fábrica de chocolate priman los grandes decorados, el colorido, la psicodelia y los efectos digitales (esos oompa loompas interpretados por el pequeño Deep Roy, multiplicado al límite), siendo probablemente esa recreación de la fábrica de Willy Wonka (con un aspecto más bien amenazador desde el exterior) y el estupendo diseño de producción de lo mejor de la película.
Sin embargo, a pesar de que el film se deja ver bien y resulta entretenida tanto en la primera parte de la búsqueda del ticket de oro como en la segunda del viaje por la fábrica de chocolate, a la película le falta esa chispa, ese toque de genialidad que sí podemos hallar en otras obras previas de Tim Burton, y más si la comparamos con la versión anterior de la obra, lo cual, conociéndola, resulta casi inevitable.
Y es que aparece mejor descrita la personalidad, la bondad innata del personaje de Charlie en la versión de 1971, así como su búsqueda del ticket de oro; y momentos como la incorporación del abuelo de la cama, están más conseguidos y son más efectivos en la película de Mel Stuart. El personaje de Willy Wonka encarnado por Gene Wilder también resulta más interesante que el interpretado por un Johnny Depp (todo sea dicho) un poco cargante en ocasiones y bastante descontrolado, a diferencia de otras colaboraciones suyas con Burton. Mientras el Wonka de Wilder era un personaje con un cierto aire de prepotencia y superioridad, el de Depp es un tipo extravagante, con problemas para relacionarse con los demás y casi algo antipático, todo ello causado por una infancia difícil, como conoceremos por varios flashbacks (los detalles de la infancia de Wonka, sin duda, uno de los aciertos del nuevo film, junto a la incorporación del padre de Charlie y su rutinario trabajo, ausente en la versión anterior)
En contra de la película también se pueden añadir los toques de humor, menos efectivos de lo buscado y los números musicales (compuestos y cantados, con la voz distorsionada digitalmente, por Danny Elfman) que resultan forzados y metidos casi con calzador en la historia. La partitura musical, por cierto, resulta en cambio una adecuada composición del habitual colaborador Danny Elfman, destacando un ligero tono ominoso para presentar la fábrica, algunos coros infantiles marca de la casa y momentos concretos como el tema dedicado a representar el trauma de Willy Wonka.
En cuanto a interpretaciones es sin duda el niño Freddie Highmore el más destacado del reparto (quien ya demostró su talento en Descubriendo Nunca Jamás, de nuevo junto a Johnny Depp), quedando el resto de niños o actores como Helena Bonham Carter en un plano más secundario.
Como conclusión se puede decir que nos encontramos frente a un Tim Burton correcto pero no genial, que entretiene pero que no se encuentra a la altura de títulos suyos más recientes como mismamente se podría citar Big Fish o Sleepy Hollow. No nos importa, pronto nos ofrecerá La novia cadáver, y con ello, una nueva oportunidad de reencontrarnos con su mundo más gótico, lóbrego y desde luego, tremendamente atrayente.

Tras el tropezón a nivel crítico de El planeta de los simios, existía la duda de si nos encontrábamos ante una bajada en el nivel creativo de Tim Burton o si tan sólo se trataba de un traspiés, de un bache ocasional en la carrera de este director. Afortunadamente para los que seguimos su carrera, una vez visto el film, podemos constatar que se trató más bien de lo segundo y gracias a Big Fish nos encontramos de nuevo con el mejor Tim Burton, el de fantasías como Eduardo Manostijeras, Batman o Sleepy Hollow.
Lo cierto es que el propio Burton ha reconocido en diversas entrevistas que tras la realización de El planeta de los simios había caído en una profunda depresión causada por el negativo recibimiento que había recibido su película. La salida a este bajón anímico le llegó al recibir el guión de Big Fish, proyecto que había pasado por las manos del mismísimo Steven Spielberg y que Burton vio desde un principio que se ajustaba como un guante a sus inquietudes y al tipo de historias que siempre le ha gustado contar.
Una historia que mezclaba realidad y fantasía y que contaba el reencuentro entre un hijo y su padre (a punto de morir), cuya afición a adornar los principales hechos de su vida de acontecimientos y personajes fantásticos, había provocado el distanciamiento entre ambos años atrás. A lo largo del film conoceremos la vida de este hombre, Edward Bloom (interpretado de joven por Ewan McGregor y de mayor por Albert Finney), poblada de gigantes, brujas y circos…., cómo conoció a la que sería su futura esposa (Alison Lohman-Jessica Lange de joven y mayor respectivamente), todo ello hasta llegar a un final realmente emotivo en el que el hijo aprende a entender a su padre.
Dos partes hay en Big Fish, los hechos reales, que se podría decir protagonizados por Will (Billy Crudup), el hijo de Edward y los hechos fantásticos o imaginarios protagonizados por éste. Es sin duda en esta parte donde Tim Burton se encuentra más cómodo; las distorsionadas y fantasiosas vivencias del Edward Bloom joven resultan absolutamente deliciosas y se contemplan con una permanente sonrisa en la boca, tanto por lo ingenuo (el Edward Bloom que con 18 años se convierte en el héroe de su pueblo e incluso funda una empresa de limpiezas; o que, años más tarde, es capaz de realizar él solo una arriesgada misión en China con la facultad de hablar el idioma chino con fluidez) así como por lo encantador (el momento en que conoce a Sandra y el tiempo se detiene, su estancia en el circo en el que el dueño de éste, interpretado por Danny deVito, le va desvelando un detalle acerca de ella cada mes….)
La historia se desarrolla con una absoluta naturalidad y las transiciones entre el presente real y el pasado imaginario están totalmente conseguidas. Las dos horas que dura la película realmente se pasan en un suspiro.
Sin embargo, lo mejor está aún por llegar, en un final en el que Tim Burton consigue emocionarnos y hacer que soltemos la lagrimita, cuando finalmente padre e hijo se reconcilian y éste aprende a aceptar la peculiar manera de ver la vida de su padre. Como sólo los grandes directores saben hacer, no nos hace falta ver llorar a los actores para hacernos llorar, sino que el excelente desarrollo de todo lo que nos han contado y un final brillante consiguen emocionarnos a un nivel máximo.
Big Fish resulta, por fin, un cuento mágico traído por el Tim Burton de sus mejores títulos, aunque por una vez alejado del tono oscuro y gótico de ocasiones anteriores. Un cuento que nos enseña una lección moral, que es que aprendamos a vivir la vida con optimismo y adornemos nuestros aburridos y rutinarios momentos de fantasía e imaginación, como su protagonista hace.

La idea de llevar a cabo un remake sobre el clásico de la ciencia-ficción de Franklin J. Schaffner y protagonizado por Charlton Heston venía de varios años atrás. De hecho se barajaron directores como Oliver Stone y protagonistas como Arnold Schwarzenegger, proyectos que finalmente no vieron la luz hasta que el encargo fue a parar a manos de Tim Burton.
Tal vez sea ese el problema de esta película, que se tratara meramente de un encargo. En anteriores ocasiones, historias ajenas a Burton presentaban rasgos o características propias de su cine. Sin embargo, para este film, parece haberse limitado meramente a cumplir con el trabajo de realizar la película lo mejor posible. Y no parece que eso haya sido suficiente: además de no ver practicamente nada que nos haga identificar que nos encontramos ante un film de Tim Burton, el guión es pobre (lo que se prometía una gran rebelión de los humanos se queda en una mera batallita, la repentina aparición del mono resulta ridícula…), el poco adecuado protagonista Mark Walhberg (el resto de actores no son malos pero sus actuaciones quedan sepultadas bajo las máscaras de simios como Helen Bonham Carter, Tim Roth, Michael Clarke Duncan…) y el final postizo sin el menor sentido, tal vez pretendiendo igualar el impacto del final de la versión original pero consiguiendo únicamente una cosa absurda.
En fin, en mi opinión se trata de la peor película de Tim Burton, carente de su personalidad y en la que lo único salvable son los maquillajes de simio y los efectos especiales, aunque, qué menos se puede pedir en una gran producción de Hollywood, y la música del colaborador habitual de Burton, Danny Elfman, repleta de fuerza y percusión.
A pesar de los mediocres resultados, la película fue un gran éxito hace dos temporadas, lo que me imagino que le permitirá realizar un nuevo proyecto más personal. Éste parece ser Big Fish, actualmente en fase de rodaje, protagonizado por Ewan McGregor y de la que he colocado más información en la sección de noticias. Esperemos que esta historia nos devuelva al Tim Burton que más nos gusta, al más fantástico y personal. Yo estoy convencido de que éste ha sido simplemente un bache como concesión a los grandes estudios y que pronto volverá a sorprendernos como siempre.

En principio esta adaptación del relato de Washington Irving iba a ser un proyecto modesto a dirigir por el experto en efectos especiales Kevin Yagher. Sin embargo, la historia finalmente fue a parar a manos de Tim Burton, lo que convirtió la película en una producción de Serie A. Además, el guión fue finalmente pulido por el prestigioso Andrew Kevin Walker, autor del libreto de Seven.
Probablemente, salimos ganando con el cambio porque casi con seguridad Kevin Yagher (quien finalmente constó en los créditos como co-productor y co-adaptador de la historia) no le habría dado a la historia el toque gótico y romántico de Burton.
Johnny Depp (en su tercera colaboración con el director tras Eduardo Manostijeras y Ed Wood) encarna a un detective de Nueva York que, a finales del siglo XVIII se traslada a una pequeña localidad para investigar los misteriosos asesinatos de un supuesto jinete sin cabeza (Christopher Walken). Allí conocerá a Katrina (una rubia Christina Ricci) de la cual se enamorará.
Tim Burton, gran aficionado al cine fantástico y de terror durante su juventud, rindió en esta ocasión un homenaje a las películas de terror de la productora británica Hammer (de hecho, Christopher Lee, el inolvidable Drácula de los filmes de esta compañía, realiza una pequeña intervención al comienzo de la historia).
Y nadie como Burton para transmitir esa atmósfera gótica, oscura, esa excelente ambientación con ese pueblo, esas casas, los espantapájaros tan burtonianos, las nubes negras en el cielo, el árbol retorcido… Como ocurre en todas las realizaciones de Burton, la ambientación resulta el aspecto más logrado, sin embargo, el trabajo en el guión de Andrew Kevin Walker hace que la historia mantenga el interés hasta el final, con misterio, falsos culpables… siendo, tal vez, los únicos aspectos reprochables los ocasionales toques de humor por parte de Johnny Depp en sus comportamientos y en sus instrumentos estrafalarios.
Destacar la banda sonora del inseparable Danny Elfman, con predominio de violines, reforzando como nadie el tono sombrío de la historia.